拍下鏡頭裡的一首詩 - 余靜萍

女性攝影師鏡頭下的細膩，出現詩一般的意境，看著照片彷彿讀著一首生活美學的詩。

姓名： 余靜萍
城市：台北
國家：台灣

Q1：妳成為 Lomographer 多久了？又是如何開始接觸 Lomography 的呢？
Ans：
從 Lomography 剛開始，還沒有出版任何書、成立任何專門店的時候就已經開始玩了，第一台 Lomography 相機是 塑膠四格機 ，一開始被 Lomography 的小人 logo 給吸引在日本買的，至少已經超過十年以上。

Q2：和我們分享妳最常用的 Lomography 相機吧！什麼樣的時機妳會用它來拍照？還有，為什麼妳會選擇它呢？
Ans：
最常用的是 120 度的 Horizon ，其實只要出新款的相機都會想買來試試，車上也一定會擺一台！想趕拍一些東西、不能失去一個畫面的時候會特別想用 Lomography 相機拍照，因為它提供了想像不到的感覺，以及一種不安全的東西。

其實拍照是很理性的，光圈、焦距都要計算， Lomography 相機卻告訴你，打破相機的規則吧！光斑、甚至很多情感不是被計算出來的，光有精神、沒有靈魂也沒有用， Lomography 相機就是叫你不要想，但同時又要你想。簡單來說，在拍照時比較隨興、不需有太大的壓力 ”Don’t think t ,just shoot” 是下得很好的一句註解，也讓我想起攝影師李屏賓引述侯孝賢說的話： 拍照要有感覺 。
Lomography 相機代表一種新時代來臨，拍照時要有自已的看法最重要。

Q3：不僅在國內，甚至是在全球各地，女性專業攝影師都是屈指可數，所以妳也堪稱為攝影圈的台灣之光！可以和我們聊聊在這個圈子裡，讓妳欣賞或崇拜的其他女性攝影師嗎？為什麼？
Ans：
Sarah moon 是一個很有情感的攝影師，提供很多想像力，她的照片看起來很憂鬱，但不是那種畫面上有人在流淚的那種，不是看到什麼拍什麼，卻總是傳達出一種憂鬱的氛圍，所以她真的很厲害！通常感人的畫面有一種道德觀，像是有一個攝影師拍了兀鷹吃嬰兒的畫面，這個作品被世人給予高度評價，但後來他自殺了。他陷入自責當中，覺得自已如果當初干涉這場殺戮嬰兒就不會死，然而 Sarah moon 就有一種能力，她打破了顯影這種事情的使命感，讓相片的道德觀沒那麼重，從一隻鳥的眼神裡也看得到悲傷的情緒。

Q4：在攝影這條路上，影響妳最深的人是誰？他（她）又帶給妳什麼樣的激勵或啓發呢？
Ans：
就是 Sarah moon，當然還有很多人，像是 Helmut Newton 、 Richard Avedon ，這些年陸續有很多導演、攝影師往生，如果 Sarah moon 也過世了，那就像世界末日了。

Q5：和我們談談從妳掌鏡拍攝第一部電影至今最艱困的一段經歷，還有妳最後是如何克服的呢？
Ans：
《明明》。當初拍攝時，導演希望武術融入舞蹈，這讓我覺得很興奮，這是很大膽的嘗試，然而站在武術指導的立場，會希望拍出來的畫面拳拳到肉，這必須與武術指導不停的協調。自已身為攝影師，要讓所有人都知道自已需要什麼畫面，與團隊溝通變成很重要的一環，我想就是不斷地與合作的夥伴取得一個平衡點吧。我在《 消失打看 》中以手持攝影掌鏡，拍出許多迷離、不確定的畫面，這樣的東西出來的成果也是讓人期待的。

Q6：當妳拍電影時和拿 Lomography 相機拍照時，都需要用到底片；而這些元素也都算是 Analogue 的一部份。對於 Lomography 的精神口號 — “The Future is Analogue ！”，妳有什麼看法？
Ans：
底片讓拍照這件事本身變得有意義，像是用底片拍照你會一直去期待沖洗出來的成果，這不是數位時代的作品論，反而是一種心境上面的轉換，人屬於感性的動物，還是會迷戀好好拍一張照片然後等待的感覺，或者說很多事情過程比結果來得重要，數位是立即享受到快樂，類比是有更多時間去思考。底片與數位會並存，我自已經歷過這兩個時代，因此更覺得不會因為數位普及底片就變得稀少，其實底片一直以來也沒退流行過。

Q7：分享妳最難忘、最意外，還有最慘痛的拍照經驗吧！
Ans：
曾經有一捲消失的底片讓我很心痛。電影拍攝期間，我也會擔任劇照師的工作，利用時間捕捉演員的畫面，其中有一組照片我嘗試了以前沒拍過的方式，花很多時間心力去拍的，有一天當我要把底片拿去沖洗時，這捲底片消失了，怎麼找都找不到，沒有原因跟理由，也不知何時弄丟的，真是一種遺憾。無法跟別人說，沒有人能明白，也無法分享，沒人看得到，這些美好記憶只在心底，很像不曾存在，但確實存在過，心裡像缺了一塊，還因為太捨不得搞得睡不著、吃不下，最後還去看了醫生。

Q8：用三部電影來表達妳對 Lomogrpahy 的感受吧！還有為什麼妳會選擇它們呢？
Ans：
用三個導演來形容對 Lomography 的感受好嗎?! 會想到 王家衛 ，因為他也一直在實驗，像是 Lomography 不是很準確的存在一個體制下，與其說是一部電影或說是一張照片，不如說是一種”型式”。另外還有 陳宏一 跟 高達 ，他們都讓我覺得作品可以跳脫一種既定的框架，打破邏輯的規則，但又建立一種新的秩序，如同 LOMO 的照片，只要有感覺，即使犯錯也是一張好照片。

Q9：如果可以穿越時空（無論是否仍在世），妳最為想哪些名人拍攝？為什麼？
Ans：
張國榮 跟 碧娜鮑許 ，有時候我眼睛閉起來時，會想像到碧娜鮑許站在爛泥巴裡，一直亂踩亂跳，看著自已笑一下，我拍下那個瞬間，那就是最美的畫面。拍照時最快樂的事是-我跟這樣的人呼吸同樣的空氣，感覺到那個人跟自已心跳的節奏是一樣的，拍到有默契、水乳交融的時刻還會讓我很想衝過去抱著被拍的人，那個時刻他的笑是對你、眼神是對你，快門是心的節奏。

Q10：和我們聊聊妳最近的生活和接下來的計畫吧！
Ans：
電影像長篇小說，讓我很迷戀，最近在做關於衣服跟影像的 project ，還有當代藝術館那邊也有多媒體視覺的案子。

Q11：對於新手Lomographers，妳想對他們說些什麼？
Ans:
LOMO 精神，不要想太多，就是拍，不要怕犯錯，只有在犯錯的過程中才會找到空間。還有，不要刻意去比較數位還是類比，電影某個部份用 film 、某個部份用 digital ，看什麼時候用哪種器材輔助能出現最好的效果，如果硬要去比較那就落伍了，每樣東西都有幫助，看你怎麼把他當成武器。回到 Lomography 相機，他不提供僵硬的答案，很多時候沒有答案反而更好，過程反而更重要，像是《 消失打看 》，看了電影會產生疑惑，但這種疑惑就像是一個過程，答案大家可以自已去解釋。

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written by shanti929 on 2011-04-21 in #people #lomo #lomography #lomoamigo # #honeypupu